GOSTO, SIM! E POR QUE NÃO!
É POP BRASILEIRO de boa qualidade. Sim, POP.

TIÊ faz o tipo jovial descomprometido, como PAULA TOLLER. E com melodias mais típicas do POP INTERNACIONAL, talvez um retrogosto da RITA LEE.

A banda é boa, alegre, agitada com algo dos paulistas e a nossa risonha e confortável contenção de comportamentos. Os temas e perspectivas dela são os de sua geração; amores andando, cuidar do próprio cotidiano, e o vasto etc.. fora, claro, de minha atual vivência.

Eu gosto desse disco e toco vez por outra!

CÉU é mais elaborada, EXPERIMENTAL e UNDERGROUND. Acho que vê o mundo com mais desconforto e ousadia. E fez um disco variado e surpreendente. É mais brasileira na proposta sonora e rítmica. É moderna, sim!

Assisti a Céu no programa do JOOLS HOLLAND, na BBC. Foi recebida como estrela e apresentou-se “passando roupa”, literalmente.

Encantou pela estranheza e competência. Muito legal!

Acho dois discos excelentes e recomendo aos heterodoxos.

Um pensador mexicano reclamou desolado: “pobre México, tão longe de Deus é tão perto dos Estados Unidos!”

TIO Sérgio perguntaria: “o que pensariam e diriam os canadenses? Partilham fronteira imensa, estão no frio total, moram em país desabitado; falam duas línguas, e são ao mesmo tempo gozados e mal interpretados pelos americanos! Um Karma leve, certamente.

Mas, diz a maioria dos americanos, o Canadá é o único país pelo qual entrariam em alguma guerra para defender!

Talvez seja possível uma síntese pelas diferenças. São duas culturas distintas, mas bem integradas, e que não perdem suas características notáveis.

Nada mais peculiar do que os grandes astros musicais do Canadá. NEIL YOUNG, GORDON LIGHTFOOT; o RUSH, K. D. LAING, LEONARD COHEN e JONI MITCHELL. Há outros.

O que os aproxima é a fria individualidade de suas propostas. Fazem sucesso no país vizinho, e são diferentes de qualquer outro artista americano. COOL!!!!!

Existe algo de solitário e desolador nesses artistas canadenses todos. Será a geografia imensa, desafiadora e inconquistável? Percebem-se eles protegidos pela certeza da invulnerabilidade, que os preserva únicos, já que são letristas e músicos críticos e perfeccionistas?

Os canadenses se aproveitam da proximidade. Os mexicanos a temem.

E JONI MITCHELL sempre olhou o mundo de cima. Será algo de europeu em seu refinamento intelectual e artístico? Eu diria que sim – mas com restrições: JONI vê a si mesma na paisagem. O Canadá a marca menos do que o BRASIL está marcado em CAETANO VELOSO – por exemplo. Eu acho…

Ainda assim, JONI é artista menos universal, porque não canta a sua aldeia, mas a ideia de si mesma. É pessoalmente tão vulnerável a ela mesma, que teve poliomielite já perto dos cinquenta anos! E é tão transcendente, enquanto artista, que coleciona muitos gatos pingados como seus fãs ao redor deste mundo absurdo.

Eu adoro a JONI. Ela me expõe a pensar sobre eu mesmo. E nesse tempo de coletivos, facebook e massificação isto não é pouco!

Dar uma volta completa em torno de si mesmo é essencial. Conhecer-se; palmilhar a própria alma; observar mais o que o interior expressa.

JONI é a intimista suprema.

Tentem!

Fala sério, Tio Sérgio! Se é VANGUARDA não pode ser de ontem, tem de ter uma certa perenidade peripatética, pô!

Seria?

É argumento possível que nem tudo se pereniza, e o que foi significativo ontem não necessariamente se derramou sobre os dias de hoje, ou terá relevância no futuro.

Tá; mas se é bom, se permeou o tempo com significados, é muito provável que tenha deixado rastros e raízes.

Falo aqui da chamada VANGUARDA que se instalou e se expressou no TEATRO LIRA PAULISTANA, nos 1980, em São Paulo. E de lá teceu artes, criou portas, que se abriram, lógico…e deram, entre outras coisas, nesse disco, décadas depois.

Estou comentando isso, porque no mix bêbado da trilha sonora que está rolando, hoje, há um CD GRAVADO AO VIVO, no SESC POMPEIA, também em SAMPA.

São três artistas de VANGUARDA: ARRIGO BARNABÉ, LUIZ TATIT e LÍVIA NESTROVSKI, com e o nome do disco é instigante “DO NADA MAIS A ALGO ALÉM”:

A frase é bem paulistana, e está em ANO BOM, canção emocionante que talvez deva ser interpretada como alento para sofridos quase conformados; e que encontram, de repente, a oportunidade para voltar a perscrutar a hipótese de ser feliz com alguém.

É canção de amor não linear.

Aliás, como é todo ato que expresse um afeto motivador para se construir um relacionamento emocional significativo; e talvez uma situação para amar; ou mesmo o amor.

Papo de urubu?

Pode ser. Mas, é melhor do que papo de Urutu, aquele veículo blindado que o Brasil produzia…

A maioria das letras no disco são de TATIT; E a maior parte das música são de ARRIGO.

E, ambos, apesar de coetâneos e contemporâneos, nunca haviam composto juntos. Há, também, parcerias com NÁ OZZETI e ZECA BALEIRO;

E JOSÉ MIGUEL WISNIK – que também escreveu o texto de apresentação, com a precisão sofisticada de sempre. Uma aula de como “ver” e “ler” o que as músicas nos mostram.

O disco, claro, é musicalmente belíssimo!

Estão nele, os vários arranjos de ARRIGO BARNABÉ, que também empresta sua “VOZ algo BLUESY meso pós PUNK”, como as intervenções de ELVIS COSTELLO, em discos “melhores” do que a voz dele permite, dando um sabor entre o convergente e o destoante no projeto.

E há LÍVIA NESTROVSKI, e seu cantar dinâmico, preciso, em clara e linda voz; e o canto correto e interpretação sensível de TATIT.

Todos juntos acompanhados por músicos como o guitarrista MÁRIO MANGA; o cantor RENATO BRAS; o baterista EDU RIBEIRO e o pianista PAULO BRAGA. Gente acostumada com a música de vanguarda…

Tudo considerado, ficou bom; muito bom!

Mas, se quiser compreensão imediata, mensagens diretas e simples, emolduradas por arranjos óbvios e decifráveis no ato, o disco não é para você.

Essa verborragia toda que depus, a mim parece definir um jeito paulistano de se expressar. Eu falo demais; sempre buscando dizer com o máximo de precisão o que penso, sinto ou percebo.

A maioria das pessoas que conheço também fala demais!

E nesse disco também se fala demais!

Agora, por que essa turma tão encastelada veio parar aqui nesse texto? É o contexto? talvez pretexto?

Foi principalmente por causa de uma estrofe, na música BABEL:

“Ser humano é tudo igual;

É bom, mas é falho;

Ser humano é cerebral;

Cerebral, o caralho!”

Nítido e verdadeiro!

Surpresas para quem prospecta. Saí com a fadinha MASTERCARD pra xeretar uns cds e comprei este ótimo disco.

WALTER LACERDA é flautista e gravou com gente grande da música brasileira. Nesse “Por onde você andava “, Lacerda e banda tocam composições dele, um SOFT JAZZ delicioso e muito bonito. Disco bom para quem pega leve e gosta de relaxar, mas vai um tanto além do lounge .

Comprei na Pops anos atrás. Recomendo aos de bom gosto, PRINCIPALMENTE aos mais velhos.

Na história da música, épocas, nuances, o percurso de cada banda e outros artistas contemporâneos, ajudam a montar uma “cartografia” que aproxima as várias tendências do quadro real do que realmente está acontecendo. Sutilezas cabem em tudo.

E “aproximar” é a palavra central. Não há verdades “originais” que se mantenham perante as releituras que o tempo sempre traz. E pra todo mundo.

Em 1968, a memória de HENDRIX e do CREAM, e um HARD BLUES PSICODÉLICO ecoavam na música. Mas, já havia IRON BUTTERFLY, DEEP PURPLE, os MOODY BLUES, e até THE WHO, depois de TOMMY, testando outros limites.

Mas, a essência do BLUES ainda permeava parte do cenário. E o advento do LED ZEPPELIN foi crucial para um novo formato de música, bem mais pesada, baseada em, mas transcendendo o BLUES, e ventilando para o HEAVY METAL, que começaria a sedimentar-se, a partir de 1969, com o BLACK SABBATH.

Tudo junto e ao mesmo tempo, uma nova geração de bandas começou a despontar com forte influência no futuro. Na Inglaterra, KING CRIMSON, GÊNESIS, YES, o CARAVAN, e o URIAH HEEP, chegavam e apontavam para o ROCK PROGRESSIVO em desenvolvimento.

Na outra ponta, o HUMBLE PIE testava fusão do BLUES com o RHYTHM´N´BLUES, e toques de POP e HARD ROCK. PETER FRAMPTON e STEVE MARRIOTT, nas guitarras e vocais, faziam a diferença.

O TRAPEZE surgiu em1970, como quinteto resultante da junção de duas outras bandas, naquele ambiente rico e de mudança rápida, e não bem definida.

O grupo foi assediado pela APPLE, a gravadora dos BEATLES; mas fechou com a THRESHOLD, dos MOODY BLUES.

Os dois primeiros discos tem capa e produção gráfica esmerada, como de hábito para os MOODY BLUES.

JOHN LODGE, baixista dos MOODIES, produziu os dois primeiros LPS. Procurou realçar o som que faziam, mas sem grandes intervenções.

Deu liberdade aos garotos. E quem conhece o estilo de compor e cantar de LODGE, logo identifica o PROGRESSIVO LIGHT do primeiro LP: TRAPEZE, 1970.

No segundo disco, MEDUSA, também de 1970, o guitarrista MEL GALLEY, o baterista DAVE HOLLAND e o baixista GLENN HUGHES, muito jovens e bons músicos, assumiram a banda e a reduziram a um trio; e deram uma guinada para fora do PROGRESSIVO, em direção ao HARD-ROCK.

Os três cantavam. Mas, HUGHES se destacava pelo extensão da voz, o timbre e o jeito de cantar mais na linha de STEVE MARRIOTT, em um “blend” com ROCK, RHYTHN`N`BLUES e SOUL. De certa forma, do jeito que ROD STEWARD seguia em sua carreira.

O TRAPEZE não privilegiava o BLUES-ROCK, mas foi se tornando mais próximo do HUMBLE PIE, e da JAMES GANG, em sonoridades. O ROCK PESADO, mas com andamento lento e pouco teclado; que era uma das tendências naqueles tempos.

Talvez o BAD COMPANY tenha sido o exemplo mais bem sucedido entre todos.

A THRESHOLD aceitou a mudança de estilo com alguma reticência… Mas, continuou apoiando, e eles saíram em turnês abrindo para os MOODY BLUES, mundo afora.

Tocaram no ROYAL ALBERT HALL, em Londred; no CARNEGIE HALL, em Nova York e no FORUM de LOS ANGELES.

Aos poucos, estabeleceram seguidores na AMÉRICA, onde estavam indo muito bem.

Por isso, para o terceiro disco “YOU ARE THE MUSIC, WE´RE JUST THE BAND”, 1972, na minha opinião o mais consistente dos três que gravaram, trouxeram NEIL SLAVEN, que produzira KEEF HARTLEY BAND e o SAVOY BROWN, um produtor especialista em BLUES e música negra em geral.

A mudança foi notável. Ouve-se, claramente, as levadas típicas de bandas americanas da época, como os DOOBIE BROTHERS, JAMES GANG e o Z.Z.TOP. BILLY GIBBONS era fã; e os considerava o melhor POWER TRIO do início dos anos 1970!

E tudo isso mesclado com vocais cada vez mais “SOUL/R&B”, de GLEN HUGHES, muitas vezes lembrando BOZZ SCAGGS, OTIS REDDING, e artistas da MOTOWN e STAX.

O TRAPEZE estava ganhando consistência, mas os discos não vendiam suficientemente. Teriam tido sucesso caso tivessem persistido? Difícil dizer…

O empresário deles tentava leva-los para a WARNER quando, de repente, em setembro de 1973, o DEEP PURPLE fez proposta e GLENN HUGHES deixou o grupo.

Com o PURPLE ele teve bastante sucesso. E de lá saiu para carreira solo, em que permanece. HOUGHES tem vários discos gravados. E, até hoje, está na cena HEAVY. Exemplo marcante é o CD ao vivo aqui postado. Pauleira Brava!

GALLEY, com o tempo juntou-se ao WHITESNAKE e ao PHENOMENA; e HOLLAND gravou diversos discos com o JUDAS PRIEST e outros artistas. E ambos sentiram-se traídos por GLENN HOUGHES.

Mas, se você fosse GLENN o que faria se tivesse tido uma proposta como aquela?

UM DOS PRIMEIROS TEXTOS QUE PUBLIQUEI NO FACEBOOK

Na minha geração, para a turma que está entre os 50 e os 60 anos de idade gostar de BLUES era decorrência quase “natural” se você gostasse de rock. É o meu caso. Eu adorava, nos anos 1970 e 1980 e ainda gosto. compro CDS e DVDs e escuto até hoje.
O BLUES que nós gostávamos, na época, não era o tradicional – ROBERT JOHNSON, JOHN LEE HOOKER, MUDDY WATERS, entre vários. Mas o BLUES ELETRIFICADO e modernizado, que os ingleses desde o início dos anos 1960 descortinaram para o mundo.
Pois é, o BLUES é música americana de raíz, antes mais associada ao jazz, mas que foi recuperado, reverenciado e trazido para o mundo pop pelas bandas inglesas dos anos 1960.
Se não fossem os ROLLING STONES, YARDBIRDS, FLEETWOOD MAC, ANIMALS, MANFRED MANN, e uma infinidade de artistas até hoje em atividade, ícones como B.B. KING e toda a tradição americana teriam tido menos força e, quem sabe, menos influência.
Muitos deles já estavam no ostracismo. Diz a lenda que os STONES cruzaram com MUDDY WATERS, em 1964, quando foram gravar nos estúdios da CHESS RECORDSChess Records, nos E.U.A. ELE Waters pintava as paredes da casa…, o que horrorizou a banda!
Graças a JOHN MAYALL, o grande incentivador da geração de ingleses que faziam BLUES, artista com mais de 60 discos gravados, que literalmente tocou com ou acompanhou quase todos os grandes nomes – tradicionais e contemporâneos, ingleses ou americanos – o BLUES espalhou-se.
Foi MAYALL quem projetou Eric Clapton, já em 1964 considerado o melhor guitarrista da Inglaterra, desde quando estava nos YARDBIRDS. Para saber quantos outros artistas, procure no Google. JOHN MAYALL, é um dos artistas que ostentam a comenda de Cavaleiro do Império Britânico, como PAUL McCARTNEY e ELTON JOHN. Ele é estelar, continental e, aos 92 anos, ainda grava e excursiona.
Eu o assisti ao vivo, aqui em São Paulo, há uns 25 anos – e tenho os ingressos autógrafados por ele!!!!! -; No final de um show de quase 3 horas, o velho voltou ao palco e ajudou a desmontar os equipamentos!!!! Vitalidade de Milton Neves; da rainha da Inglaterra!
Mas, por que o BLUES explodiu na Inglaterra? Provavelmente porque os jovens ingleses queriam música vibrante como o ROCK AND ROLL da primeira fase – ELVIS PRESLEY e CHUCK BERRY entre vários – que já estava meio para o decadente e sem perspectiva, até que houve a explosão dos BEATLES e da chamada BRITISHJ INVASION, por volta de 1962/1964.
Grosso modo, na época e como hoje, as diversas tendências conviviam, os BEATLES seriam mais conectados aos ROCK e os ROLLING STONES ao BLUES…
Os clubes e pubs ingleses em geral apresentavam bandas de JAZZ. O JAZZ é como a BOSSA NOVA: música urbana para jovens mais sofisticados. A garotada em geral queria agito, daí o SKIFLE, depois o BLUES, música mais simples que bate direto nos sentimentos. E tem guitarras elétricas e combina com paqueras e cervejas.
Pouco a pouco os locais onde se ouvia JAZZ foram migrando para o BLUES, que se revestiu de ROCK e o resto é o que temos até hoje. É claro que houve um renascimento do BLUES também nos EUA – mas curiosamente, inicialmente também por influência e exemplo dos ingleses.
O BLUES chegou forte no BRASIL no começo dos anos 1990 e permanece mais discretamente. Hoje temos uma linguagem de pop e rock genuinamente nacional. Mas não há BLUES com identidade brasileira, apesar de alguns bons artistas e ótimas bandas como NUNO MINDELIS e ANDRÉ CRISTOVAM – que chegou a tocar uns tempos com JOHN MAYALL.
Hoje, no mundo inteiro o BLUES continua firme. Procurem escutar SONNY LANDRETH, JOE BONAMASSA, SUSAN TEDESCHI & DEREK TRUCKS, por exemplo. Sem lembrar do “imorrível” ERIC CLAPTON e e da memória do imortal B.B.KING.
Há muito, mas muito mais mesmo a ser dito e infinitamente mais a ser escutado. The BLUES WILL NEVER DIE!